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EVA FRAPICCINI – Il pensiero che non diventa azione avvelena l’anima
48 stampe fotografiche digitali dimensioni variabili, cornici 50 x 70 cm
Struttura in ferro battuto 110 x 165 x 182 cm
Ente promotore: Associazione culturale Connecting Cultures, Milano | Associazione culturale Isole, Palermo
Partner: Istituto Italiano di Cultura, Bruxelles | Musinf – Museo comunale d’arte moderna, dell’informazione e della fotografia, Senigallia (AN)
Promozione internazionale: “Il Pensiero che non diventa Azione avvelena l’Anima”, evento di Palermo Capitale della Cultura Europea 2018, Archivio Storico Comunale di Palermo (Palermo, 16 giugno – 30 agosto 2018)
“Il Pensiero che non diventa Azione avvelena l’Anima”, Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles (Bruxelles, 8-22 novembre 2018)
Sede definitiva dell’opera: Musinf – Museo comunale d’arte moderna, dell’informazione e della fotografia, Senigallia (AN)
Il Pensiero che non diventa Azione avvelena l’Anima è un archivio di documenti fotografati dall’artista, che testimoniano l’impegno quotidiano di persone che hanno dedicato la propria vita alla lotta contro la Mafia. Il materiale raccolto è costituito da appunti, agende, fotografie e tracce quotidiane delle indagini precedenti l’era digitale rinvenuti in archivi pubblici e privati, come archivi storici e centri di studio sulle mafie, nonché dai familiari delle vittime, scuole e biblioteche palermitane e italiane. Si tratta di testimonianze datate tra gli anni Settanta e gli anni Novanta, oggetti semplici, talvolta intimi, ma dal forte valore storico, politico e morale. Il progetto di Eva Frapiccini è interamente volto alla partecipazione e alla condivisione del pubblico, sia nella fase di ricerca (il coinvolgimento delle realtà locali è stato essenziale), sia in quella di fruizione del lavoro: il risultato finale è infatti un’installazione fotografica concepita come un archivio mobile consultabile dallo spettatore, un’unica struttura in ferro battuto che contiene le fotografie dei documenti altrimenti non visibili.
Eva Frapiccini (Recanati, 1978) vive e lavora tra Leeds (UK) e Torino. Ha studiato al DAMS – Discipline delle Arti, della Musica e dello Spettacolo di Bologna e allo IED – Istituto Europeo di Design di Torino, formandosi come fotografa. I suoi progetti, accompagnati da un accurato lavoro di documentazione sul campo, nascono dall’interesse nei confronti dei fatti storici vicini alla sua data di nascita, creando un intreccio sottile tra vita privata, vita collettiva e società. Le sue opere sono incluse in numerose collezioni istituzionali tra cui le collezioni permanenti del Museo Castello di Rivoli, della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, di UniCredit & Art, della Fondazione Fotografia di Modena, delle Collezioni Civiche di Monza, nonché in collezioni private.
Foto: Giovanni e Alessandro Di Giugno, per gentile concessione di Connecting Cultures ed Eva Frapiccini
DANILO CORREALE – Diranno che li ho uccisi io
Video 4k (35 min)
Ente promotore: Careof, Milano
Partner: The MAC – Metropolitan Art Centre, Belfast | Columbia University, New York
Promozione internazionale: Proiezione del video e talk, Magazzino Italian Art (New York, 17 Novembre 2018)
MAC, Belfast (2019)
Sede definitiva dell’opera: MART – Museo d’Arte moderna e contemporanea di Rovereto e Trento
Diranno che li ho uccisi io è un progetto dedicato al cinema e al suo ruolo fondamentale nella costruzione della società del Novecento. Il lavoro parte da un’analisi degli incompiuti cinematografici specialmente connessi con tematiche moralmente e politicamente delicate – e ancora molto attuali – che per diverse ragioni, non sono mai stati realizzati. Correale seleziona sei sceneggiature conservate in archivi pubblici e privati italiani, reinterpretate attraverso altrettanti generi cinematografici che fa rivivere, in maniera frammentaria, attraverso il racconto mentale (e onirico) di un archivista solitario. Le sei storie – tratte da La brigata inesistente di Augusto Tretti, Un dio nero un diavolo bianco, o Il Colonialismo di Sergio Spina, Brigate Rosse di Dario Argento, La ballata degli angeli assassini di Claudio Caligari, Lettere dall’interno di Liliana Cavani e A Boccaperta di Carmelo Bene – sono reinterpretate attraverso un dispositivo modulare che riduce l’ambientazione ai minimi termini, in cui gli episodi si raccordano, si concatenano e si fondono, come in un flusso di coscienza o come in un sogno.
Danilo Correale (Napoli 1982) vive e lavora tra Napoli, Londra e New York. Il suo lavoro si concentra principalmente sull’analisi delle contraddizioni dei meccanismi politici e sociali del mondo contemporaneo, che mette in luce utilizzando i diversi dispositivi e linguaggi offerti dai media attuali. Ha al suo attivo numerose mostre personali e collettive, anche di importante rilievo internazionale, e ha ottenuto i principali premi italiani dedicati alla giovane arte, come il Premio New York e il Premio Furla.
Foto: Still da video, per gentile concessione di Careof e Danilo Correale
NICOLÒ DEGIORGIS – L’Arlequin & La Villeneuve
Fotografie a colori
Ente promotore: ESAD – École Supériore d’Art et de Design, Grenoble
Promozione internazionale: Open Studio di fine residenza, La Galerie di ESAD (Grenoble, 29 marzo – 13 aprile 2018), “Nicolò Degiorgis. Le baron perché”, Le CAP – Centre d’Art Plastique (Saint-Fons, 22 settembre – 24 novembre 2018)
Sede definitiva dell’opera: Museion, Bolzano
L’opera L’Arlequin & La Villeneuve è il risultato di un periodo di residenza che Nicolò Degiorgis ha trascorso a Grenoble dall’ottobre 2017 all’aprile 2018, nell’ambito del programma Politique de l’Hospitalité. Programme de résidence située. Le foto realizzate da Degiorgis documentano e analizzano la situazione migratoria di Grenoble e, in particolare, dei quartieri di L’Arlequin e della Villeneuve. Questi quartieri, situati nella zona periferica sud della città e costruiti tra gli anni Settanta e i primi anni Ottanta, sono stati concepiti come luoghi in cui mettere in pratica esperimenti di mescolanza etnica e sociale, cercando di creare un senso di comunità attraverso il ruolo attivo dei cittadini. Tuttavia, nel corso degli anni sono diventati dei veri e propri ghetti sociali, dove sono state localizzate la maggior parte delle minoranze etniche della città. Questi contesti di segregazione urbana riflettono un più ampio problema di integrazione nel panorama europeo contemporaneo. Degiorgis si concentra sulla fotografia delle architetture intensive delle periferie e della natura che le circonda al calar del sole, quando gli abitanti dei quartieri vivono i propri spazi domestici e non quelli urbani, rinunciando in questo modo a una narrazione tipica delle cronache sociali, volta alla rappresentazione pietista dei protagonisti di queste storie.
Nicolò Degiorgis (Bolzano, 1985) ha studiato cinese a Venezia e ha lavorato a Hong Kong e Pechino. Ha condotto ricerche nel campo dell’immigrazione e dell’alterità presso l’Università di Trieste e fa parte dell’agenzia fotografica Contrasto, da cui ottiene una serie di incarichi per varie riviste internazionali. Il tema centrale del suo lavoro è l’emarginazione delle minoranze e su di esso verte gran parte della sua produzione fotografica, per la quale ha ricevuto premi e menzioni a livello europeo e mondiale. Il suo volume Hidden Islam (Rorhof, 2015) ha ottenuto vari riconoscimenti internazionali tra cui l’Author Book of the Year ai Rencontres d’Arles (2014). Nel 2016 ha partecipato alla 16. Quadriennale d’Arte di Roma (2016), mentre nel 2017 è stato guest curator presso il Museion di Bolzano.
Foto: Nicolò Degiorgis, per gentile concessione dell’artista
MARGHERITA MOSCARDINI – Inventory. The Fountains of Za’atari
Scultura in terra, resina e bronzo 300 x 375 x 6 cm
Libro d’artista, tecnica mista su carta, acciaio e basalto, 71 x 53 x 7 cm
Ente promotore: Fondazione Pastificio Cerere, Roma
Partner: Ambasciata d’Italia, Amman | The Nando and Elsa Peretti Foundation, Roma !Istituto Italiano di Cultura, Bruxelles | Istituto Italiano di Cultura, Istanbul | MADRE, Napoli
Promozione internazionale: Presentazione presso Istituto Italiano di Bruxelles (3 ottobre 2018), Presentazione presso l’Istituto Italiano di Cultura di Istanbul (12 ottobre 2018), Presentazione presso la Columbia University – GSAPP – Graduate School of Architecture, Planning Preservation, New York (13 novembre 2018)
Sede definitiva dell’opera: MADRE – Museo d’arte contemporanea Donnaregina, Napoli
Il lavoro Inventory. The Fountains of Za’atari di Margherita Moscardini è incentrato sul campo rifugiati di Al Za’atari, in Giordania, per estensione il secondo campo più grande al mondo per estensione, nato nel 2012 in seguito all’emergenza umanitaria causata dalla guerra civile siriana e dove l’artista ha collaborato con un gruppo di creativi, designer, architetti e ingegneri locali. Il progetto mira a evidenziare la necessità di ripensare i campi come nuove realtà urbane, riscattandole dalla dimensione di insediamento precario e di emergenza. Concentrandosi su un elemento centrale delle case e dell’urbanistica di Al Za’atari – le fontane – Moscardini ha prodotto un libro d’artista che censisce, inventaria e illustra le fontane ornamentali costruite dai rifugiati siriani con materiali di recupero per abbellire le proprie dimore temporanee, successivamente smantellate a causa della carenza idrica e del rischio di epidemie. Tra le fontane rilevate, l’artista ne ha scelta una per trasformarla in una scultura che riproduce, in scala 1:1, il cortile della casa della casa numero 90, al blocco 1 del distretto 12, nel campo rifugiati di Al Za’atari ed è predisposta per funzionare.
Margherita Moscardini (Donoratico, Livorno, 1981), laureata in Antropologia Culturale presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, ha studiato con Yona Friedman alla Fondazione Ratti di Como e con Peter Friedl alla Fondazione Spinola Banna per l’Arte di Torino. Il suo lavoro consiste in una ricerca che sviluppa interesse verso l’architettura, l’urbanistica, il diritto all’abitare e la forma della città. Gli strumenti utilizzati dall’artista spaziano dal disegno, alla scultura, al video, alla scrittura. Ha esposto in alcuni dei più importanti centri culturali contemporanei nazionali e internazionali (MAXXI – Museo nazionale delle Arti del XXI secolo di Roma, MACRO – Museo di Arte Contemporanea di Roma, ISCP – International Studio & Curatorial Program di New York) e vinto numerosi premi e riconoscimenti, tra i quali il Premio New York (2014).
Foto: Andrea Veneri, per gentile concessione del Fondazione Pastificio Cerere e Margherita Moscardini
PATRICK TUTTOFUOCO – Zero (Weak Fist)
Scultura in neon verde e struttura d’acciaio 300 x 300 x 25 cm
Ente promotore: Polo Museale dell’Emilia Romagna
Partner: Comune di Rimini | Accademia delle Belle Arti, Bologna | Istituto Italiano di Cultura, Berlino | Associazione culturale Xing
Promozione internazionale: “Patrick Tuttofuoco. Zero (Weak Fist)”, Istituto Italiano di Cultura di Berlino (Berlino, 28 settembre – 31 dicembre 2018)
Sede definitiva dell’opera: Museo Nazionale, Ravenna
L’intervento di arte urbana Zero (Weak Fist) di Patrick Tuttofuoco mette in relazione due monumenti simbolo della città di Rimini: l’Arco di Augusto e il Ponte di Tiberio. Pur essendo una struttura difensiva, l’Arco di Augusto, che si trova all’estremità della Via Flaminia, è privo di barriere e per questo motivo è considerato un’architettura non di difesa, ma di ‘accoglienza’. Il Ponte di Tiberio è, invece, il punto da cui parte la Via Emilia, il chilometro zero. È proprio il valore civico, identitario e sociale dell’antica via romana, che congiunge i punti cardine della regione Emilia-Romagna, a essere riferimento principale dell’intervento dell’artista, così come quello simbolico della stessa città di Rimini come congiunzione tra Roma e l’Emilia. L’opera di Tuttofuoco, confrontandosi con elementi monumentali e dalla storia millenaria, è un gesto, una sottolineatura luminosa, una mano che fa il segno dello zero ed è allo stesso tempo un “pugno debole”.
Patrick Tuttofuoco (Milano, 1974) si forma al Politecnico di Milano e l’Accademia di Brera e lavora a Berlino. Con le sue opere fatte di luci, superfici specchianti, laser e neon colorati, instaura un dialogo con il pubblico e con lo spazio, che riflette la natura dinamica e corale della sua ricerca artistica. Ha esposto in alcune della maggiori rassegne internazionali di arte contemporanea, come la 50. Biennale di Venezia (2003), Manifesta 5 (2004) e la Biennale di Shanghai (2006).
Foto: Luca Ghedini, per gentile concessione di Xing
ALTERAZIONI VIDEO – Incompiuto: La nascita di uno stile
110 stampe fotografiche digitali 68 x 48 cm
Ente promotore: Associazione culturale Incompiuto Siciliano, Riposto (CT)
Partner: Manifesta Foundation, Amsterdam
Promozione internazionale: “Incompiuto: la nascita di uno stile”, Manifesta12 – Collateral Events, Centro Internazionale di Fotografia (Palermo, 14 giugno – 15 novembre 2018)
Sede definitiva dell’opera: Galleria d’Arte Moderna “E. Restivo”, Palermo
Incompiuto Siciliano, da oltre dieci anni, ricerca, mappa e studia le opere architettoniche e ingegneristiche incompiute sul territorio nazionale. Si tratta di architetture che nascono già come rovine e che finiscono per caratterizzare il paesaggio italiano contemporaneo degli ultimi 50 anni, influenzandone anche la percezione. Tutti questi lavori costituiscono uno stile architettonico sui generis: l’incompiuto. Partendo da tali premesse, il collettivo Alterazioni Video, ha realizzato un atlante fotografico dei cantieri di opere pubbliche non portati a termine in Italia, censiti e archiviati da Incompiuto Siciliano, per un totale di 200 scatti. L’obiettivo è quello di portare all’attenzione una problematica molto più ampia connessa alla cattiva gestione della cosa pubblica, cogliendone allo stesso tempo una insolita e potente valenza estetica. Il progetto comprende anche un video, presentato in occasione di Manifesta12, a Palermo nel 2018, e di un libro curato da Alterazioni Video assieme al collettivo Fosbury Architecture di Milano, edito da Humboldt Book.
Alterazioni Video è un collettivo di cinque artisti (Paololuca Barbieri Marchi, Alberto Caffarelli, Andrea Masu, Giacomo Porfiri e Matteo Erenbourg) fondato a Milano nel 2004 e specializzato in videoarte, ma che opera anche nella performance, nella fotografia e nelle installazioni. Gli artisti di Alterazioni Video vivono e lavorano tra Berlino e New York e i loro video, che indagano la realtà sociale contemporanea da un punto di vista cronachistico, sono stati esposti in importanti occasioni internazionali, quali la 52. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia e Manifesta 7 e presentati in festival di tutto il mondo.
Foto: Alterazioni Video, per gentile concessione degli artisti
ALICE GOSTI – Come diventare un partigiano
Performance site-specific (Terni, CAOS – Centro Arti Opificio Siri, Sala Carroponte, 9 giugno 2018, 5h)
Video documentario della performance (10 min 50 sec)
Scatola in legno con materiale di studio e illustrativo della performance
Ente promotore: Indisciplinarte, Terni
Partner: CAOS – Centro Arti Opificio Siri, Terni
Sede definitiva dell’opera: CAOS – Centro Arti Opificio Siri, Museo d’Arte Moderna e Contemporanea “Aurelio De Felice”, Terni
Come diventare un partigiano è il secondo capitolo di un progetto in itinere ispirato ai fatti della Resistenza Partigiana Italiana. La performance è stata presentata al CAOS – Centro Arti Opificio Siri di Terni con interpreti italiani scritturati per l’occasione e un doppio accompagnamento musicale: il coro dell’ANPI – Associazione Nazionale Partigiani d’Italia ha intonato canti partigiani tradizionali, mentre un coro polifonico si è esibito su arrangiamenti vocali e musiche composte appositamente. La Resistenza viene proposta da Gosti non in chiave ideologico-politica ma concentrandosi su temi più intimisti e personali e allo stesso tempo collettivi, come la questione identitaria connessa alla fondazione della moderna nazione italiana, la resistenza collettiva o la scelta di organizzarsi autonomamente per sopravvivere.
Alice Gosti (Perugia, 1985) si è laureata alla Washington University di Seattle, specializzandosi in danza e in coreografia. A partire da questi aspetti, ha sviluppato un linguaggio basato sulla relazione tra movimento, durata e sviluppo dello spazio, che opera fluidamente su piani multiculturali e multidimensionali. Le sue performance, caratterizzate da un rapporto dialettico con il fruitore, cercano di porre l’attenzione sulle criticità della condizione umana contemporanea. Per il suo lavoro ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti negli USA, in Italia e in Germania.
Foto: per gentile concessione di Indisciplinarte e Alice Gosti
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Ultimo aggiornamento in data 20 February 2025